Reflexión final

Publicado por Maria Bernal
Llegamos al final de la etapa y para darle el último toque a este blog llega el momento de elaborar la reflexión y las conclusiones finales sobre el semestre en referencia a la asignatura de arte.

A lo largo de la asignatura nos hemos adentrado y hemos tratado numerosos conceptos e ideas relacionados con el arte y su enseñanza que debemos tener en mente indispensablemente si queremos ejercer nuestro trabajo de la forma más eficaz posible.
Entre  estos conceptos nos encontrábamos con el de cultura visual, muy interesante para trabajar y poner en práctica con los niños por razones explicadas anteriormente. Asimismo vimos como los museos pueden ser un recurso útil para emplear en nuestra aula. De la misma forma pudimos realizar un recorrido a través de las diferentes teorías para la enseñanza del arte y, tras haberlas visto, elegir aquella o aquellas que mejor se ajustaría a nuestra concepción de la enseñanza del mismo.


¿Pero qué es lo que realmente hace del arte una materia importante para trabajar con niños e imbuirlos en él? He aquí unas cuantas respuestas:

  • Por medio del arte logramos que nuestros alumnos no solo descubran en mundo que les rodea, sino que también sean capaces de observar su pasado y el de la sociedad en la que viven. Esto les ayudará a comprender tanto su propia historia como la de la humanidad.
  • Educar en el arte promueve, como hemos mencionado en numerosas ocasiones, el desarrollo de una capacidad crítica de reflexión y abstracción que ayudará también a desarrollar, entre otros aspectos, las habilidades intelectuales de nuestros alumnos.
  • A través de él promoveremos la capacidad creativa, imaginativa y de inventiva del niño, así como las habilidades sociales a través de trabajos grupales o actividades en las que deban comunicar sensaciones, reflexiones, conclusiones y pensamientos al resto de los compañeros.
  • Llevando a cabo diferentes actividades, como por ejemplo de reflexión acerca de una obra en las que puedan resultar varias interpretaciones válidas, promoveremos en los niños el respeto hacia otras formas de pensar al mismo tiempo que practicarán con herramientas a través de las cuales poder comunicar sus razonamientos, conclusiones e ideas.
  • Y por último pero no por ello menos importante, si les enseñamos a disfrutar el arte desde una edad temprana les abriremos puertas y les daremos la posibilidad de que en el futuro lo sigan haciendo.
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La era de la cultura visual

Publicado por Maria Bernal
Como bien dice el refrán "una imagen vale más que mil palabras".
La importancia de las imágenes en nuestra sociedad de hoy en día es incuestionable, eso todos lo sabemos. Si bien en la actualidad existen infinidad de maneras para comunicarnos en un mundo tan globalizado como es el nuestro, no existe una tan rápida ni eficaz como es la visual. Una simple imagen puede hacernos imaginar, nos puede inspirar, emocionar e incluso llegar a hacernos llorar. Detrás de una imagen existe una historia que cuenta al espectador y transmite un mensaje.
Es, por lo tanto, indudable el poder que tienen las imágenes en el mundo actual y la potencia de la cultura visual en nuestra época es esencial.

Estamos rodeados de imágenes y símbolos a través de las cuales generamos cultura y son generadas por nuestra cultura, otorgándoles significados propios. Un ejemplo de imágenes cargadas de significado y muy de moda actualmente son los "memes", definidos por Nico Varonas en su artículo "Memes: Qué son y de dónde salen" de la siguiente manera:

"Los memes son ideas, conceptos, situaciones, expresiones y pensamientos objetivados en cualquier tipo de medio virtual, como ser enlaces, vídeos, textos, imágenes y todo tipo de construcción multimedia individual y colectiva que resulte entretenida o útil y que sea distribuida en la red a través de foros, imageboards, sitios web y cualquier otro difusor masivo."
Memes actualmente circulando por internet
Los memes tienen en la actualidad grandes repercusiones en la red y son una realidad cotidiana para los usuarios de ésta, ya que continuamente los crean, los consumen y los reproducen.
Este es un claro ejemplo de cómo las imágenes dominan gran parte de la comunicación actual y en la que ni siquiera requiere para su comprensión ser hablante de una misma lengua, sino tan solo tener la misma cultura visual. Hablamos de las imágenes como una potente herramienta de comunicación y de expresión globalizada que prácticamente llega a todo el mundo.

Los niños también entran dentro del grupo de consumidores y productores activos de imágenes presentes en la sociedad. Esto lo vemos claramente cuando, al pedirle a un niño o niña que nos haga un dibujo, observaremos presentes en él elementos tan conocidos como un Pokemon o uno de los protagonistas de la popular serie "Hora de Aventuras". Ellos reflejarán en sus trabajos su entorno cultural debido al claro hecho de que no son seres aislados de la sociedad, sino que participan activamente en ella. Es por ello que debemos instruirlos en el uso correcto de las imágenes así como tratar adecuadamente la influencia que en ellos poseen las mismas. Asimismo, el hecho de que en sus dibujos expresen su entorno más cercano nos ofrecen posibilidades como la de comunicarnos por medio de estos dibujos con el niño y conocer su mundo interior, así como saber de qué manera está comprendiendo los significados culturales, qué valores está asumiendo, qué elementos pueden ejercer como motivadores en una actividad escolar, etc.

Una de nuestras tareas principales será pues ampliar las referencias de la cultura visual ofrecidas a nuestros alumnos con el fin de que sean capaces, más adelante, de ir descubriendo por si mismos nuevos nuevas experiencias y desarrollar capacidades creativas.
Dibujo de Spiderman
Dibujo de Finn, personaje de "Hora de Aventuras"

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Las teorías para educar en el arte. Los museos y la evolución de su concepción

Publicado por Maria Bernal
No durante toda la historia la concepción de museo fue la misma a la que tenemos en la actualidad. Esta ha ido cambiando junto al pensamiento de la sociedad, al igual que las diferentes teorías educativas sobre el arte y el concepto mismo de arte.

Actualmente consideramos un museo como un lugar en el que aprender sobre la sociedad y sus elementos culturales así como la evolución que ha tenido la misma durante el paso del tiempo. Sin embargo no hace tantos años la idea de museo era completamente diferente.
Los museos evolucionaron de los antiguos gabinetes de curiosidad, lugares en los que se almacenaban riquezas, tesoros, sin ningún tipo de orden y únicamente para un pequeño grupo de la sociedad de la época: burgueses y expertos. Más adelante, tras la Revolución Francesa, estas colecciones pasaron a ser públicas, pudiendo ser más fácil acceder a ellas para sociedades menos elitistas. De esta manera fue como la sociedad de la época fue acercándose poco a poco a estos lugares. Se estaba dando un cambio en la mentalidad de las personas.
Gabinete de curiosidades de Ferrante Imperato
En un primer momento, el contenido de estos museos fue organizado de manera jerárquica y excluyente de forma que fuese un solo punto de vista el dominante, dejando de lado otras formas de entender es arte. Más adelante esto fue cambiando y la organización fue tornándose más compleja haciendo que más puntos de vista e interpretaciones del arte tuvieran cabida más allá del modelo único de antes.

En la actualidad se considera que lo que hay en un museo, lo que es, está condicionado por la sociedad. Esto es debido a que son personas las que deciden qué tiene que haber en ese museo y las personas están en relación continua con la sociedad.
Esto es muy equiparable a la escuela, ya que quienes deciden los contenidos que deben darse son seres humanos que viven influenciados por la época histórica y la sociedad actual en la que vivimos. 
Algunos de los talleres presentes en el Mupai
Otra de las características que presentan los museos actualmente es que la idea de éste como un lugar sagrado ha ido desapareciendo. Y mientras esta concepción de los museos ha ido olvidándose poco a poco otra ha ido surgiendo: los museos con servicios educativos. Hasta hace unos pocos años eran muy pocos los museos que contaban con esta clase de servicios. Hoy en día, sin embargo, muchos los ofrecen y se preocupan por la calidad de los mismos. Incluso existen museos plenamente educativos, como el Mupai, en el cual se llevan a cabo iniciativas tanto de formación docente e investigación como de fomento del interés de los niños a través de actividades creativas mediante talleres.

 En definitiva, la concepción de los museos fue cambiando al mismo tiempo que cambiaba la sociedad.


L'Esule de Antonio Ciseri
Ejemplo de pintura academicista
Algo similar ocurrió con las teorías educativas artísticas. Mientras avanzaba la sociedad y su pensamiento iba cambiando y ofreciendo nuevos ideales en función de la época histórica, la concepción de arte también fue variando, así como las teorías educativas a cerca de él.

En un principio surgió a finales del XIX y dejó gran huella durante el siglo XX la enseñanza academicista, para la cual lo más importante era la producción y lo formal, dejando al sujeto en un segundo plano. Había que desarrollar las destrezas manuales y, para ello, el método empleado era la repetición.  






La expresión del fuego de Rae Martini
Ejemplo de pintura autoexpresionista
Éste método fue sustituido en los años 30 por uno totalmente diferente: el autoexpresionismo, según el cual el arte debía ser libre y potenciar la creatividad. El arte considerado como el más puro era aquel realizado por aquellos que no estaban influenciados por factores externos (adultos, sociedad...). Quizás uno de los puntos bajos de esta teoría fue (en mi opinión) el hecho de que se negaba a enseñar arte de ningún tipo y, por lo tanto, tampoco se consideraba oportuna una evaluación del producto final. Esto quizás sea ahora la razón de que en la actualidad se le tenga tan poco respeto a la educación artística en las escuelas.

Más adelante, en la década de los 80, surgió el DBAE, teoría que considera el arte como un lenguaje, un medio con el que comunicarnos y expresarnos. Se cree en el aprender haciendo, en el arte como experiencia pero, al contrario que los academicistas, este hacer no se basa en la repetición. Asimismo, según la teoría DBAE, el arte debe ser evaluado, algo lógico teniendo en cuenta que enseña creación, crítica, historia del arte y estética. El fin último de esta teoría es dominar el lenguaje visual con el objetivo de lograr ciudadanos comunicados. 
En mi opinión la mayoría de los aspectos de ésta, junto a las dos siguientes teorías post-modernas que explicaré a continuación, son los que más se acerca a mi concepción de cómo debe ser la enseñanza del arte en las escuelas. Sin embargo, algo con lo que no estoy de acuerdo presente en este modelo es la creencia de que el arte debe ser enseñado por personas expertas y por profesionales. Claro que quien enseñe arte debe estar formado en él y debe conocerlo, pero es el educador quien mejor sabe cómo educar al niño en ello.

En cuanto a las tendencias post-modernas, podemos encontrarnos dos teorías muy similares: la reconstruccionista, basada en la cultura visual, y la pragmatista, en la que la experiencia es lo que importa en el arte. Estas teorías no son incompatibles ya que ninguna contradice a la otra específicamente. Ambas se basan en la cultura visual, concepto que explicaremos más detenidamente en otra entrada. Entienden el arte como algo surgido gracias a la propia cultura. Esto afecta también a la concepción de los museos que actualmente existe, ya mencionada antes: el museo como un lugar en el que se encuentra y recopila la historia, nuestro patrimonio, información sobre cómo eran las sociedades de las distintas épocas, todo ello a través de las manifestaciones artísticas. 
Ejemplo de cultura visual a través del ejemplo de parodias basadas en la película "Star Wars"
La teoría reconstruccionista parte de que el fin último es comprender y participar en el sistema cultural a través de la cultura visual. Para ello el espectador tiene que saber reconocer varios aspectos, como qué significado tienen para mí los objetos que se han empleado en la obra o quién la ha hecho y para qué, y desarrollar una serie de habilidades, como el no ser un mero espectador que mira pero no observa, abstrae o llega más allá de la simple visualización y llegar a razonamientos tales como "¿en qué posición me dejan a mí delante de esta imagen?", criticar el significado de una obra a partir de un razonamiento argumentado para alcanzar a comprender en profundidad el significado de la obra, etc. De esta manera el arte se convierte en un recurso con el que exponer y comprender temas tan relevantes y transversales como son la pobreza, la desigualdad y la opresión.
Al igual que pudimos observar en la excursión al centro Huarte y tal y como pusimos en práctica en nuestros proyectos basados en las unidades didácticas, esta teoría trata también de relacionar, comunicar y expresar problemas o situaciones del día a día. Esto, como ya mencioné en la entrada sobre las conclusiones obtenidas tras las presentaciones, es muy importante en el desarrollo del niño, ya que puede ayudarnos a incrementar, practicar y ampliar habilidades comunicativas y sociales. 
Imagen basada en el reconstruccionismo
En cuanto a la teoría pragmatista considera la experiencia vivida por el espectador lo más importante del proceso, ya que se basa en la creencia de que es el propio espectador quien creará significado a partir de la relación que establezca entre la obra y él mismo. Esto está relacionado también con una de las conclusiones obtenidas tras las presentaciones de mis compañeros: la interpretación y la experiencia que el espectador tenga con la obra es lo que importa realmente.


Tras haber expuesto todo lo anterior, ¿por qué son estas últimas tendencias las que más afinidad poseen con mi modo de ver la educación?
  • Porque en la actualidad es necesario conocer nuestra cultura visual para entender y relacionarnos mejor en sociedad.
  • Porque para entender nuestra sociedad actual también es de gran utilidad saber de dónde provenimos, y eso lo enseña la historia del arte entre otros.
  • Porque debemos ser capaces de ser críticos con las obras de arte trabajadas y explicar razonadamente los factores a través de los cuales hemos llegado a elaborar un determinado concepto o abstracción del significado de la obra.
  • Porque, en mi opinión, el arte se puede y se debe evaluar.
  • Porque a hacer, a crear arte se aprende haciendo y creando.
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Y tras las presentaciones de los proyectos...

Publicado por Maria Bernal
Como he ido comentando a lo largo de este blog, durante este semestre fuimos creando nuestras propias unidades didácticas basadas en alguna de las obras vistas en el centro de arte contemporáneo de Huarte. En nuestro caso escogimos la obra Destockaje de Rafael Munárriz, pero otros compañeros optaron por otras.

A continuación iré explicando algunas de las ideas o conclusiones a las que llegué tras las exposiciones de los proyectos y las que opino que sería convenientes tener en cuenta si en un futuro ejerzo como maestra de educación plástica.

    Reflejo de la sociedad
  • Hemos podido observar como todos y cada uno de los proyectos se basaban en una crítica casi siempre dirigida hacia algún aspecto de la sociedad o del entorno más cercano a los autores. Así pues hemos visto algunos trabajos relacionados con la crisis, los recortes, etc. como Reflejo de la sociedad. Igualmente se llevaba a cabo una muestra de algo del día a día, de algo cotidiano, algo que tiene mucho que ver con la teoría post-moderna reconstruccionista. Esto es algo a tener en cuenta en el aula trabajando con niños de primaria ya que ellos, al igual que nosotros, en sus obras tendrán muy presentes problemas que puedan acaecerles o situaciones de su vida cercana a las que vean la necesidad de ser expuestas y exteriorizadas y encuentren en el arte una forma de hacerlo. Todo esto se verá reflejado en sus trabajos de una forma u otra.  Esto también lo vimos en las obras del centro Huarte, por ejemplo en Destockaje o en el vídeo performance de Marta Bururgorri Al revés y a la inversa en el que se muestra realizando acciones de la vida cotidiana, como freír un lomo, bajar la basura, comer espaguetis... de forma contraria a como se harían en realidad. De esta manera pretende que tomemos consciencia a las acciones automatizadas de las que no somos conscientes que las hacemos y explora dichas acciones jugando a reinterpretarlas.


  • Muy relacionado con el punto anterior está el hecho de que a través de este tipo de proyectos trabajamos la inteligencia emocional entre otros aspectos. Si los alumnos escogen exponer algo relacionado con su vida cotidiana, con su mundo más cercano practicarán con la comunicación de sentimientos, sensaciones y vivencias a través del arte. De igual manera si decidimos trabajar por grupos  las relaciones sociales entre iguales estarán a plena orden del día y, por lo tanto, deberán aprender habilidades sociales necesarias para cooperar con los demás, argumentar ideas u opiniones, dar una opinión o rebatir una idea con la que no se está del todo conforme.

  • También relacionado con el primer punto está el hecho de que a través del arte el niño no únicamente explorará, cuestionará y expondrá su entorno más inmediato. También puede sernos de gran utilidad y no debemos desechar la oportunidad de ayudarnos del arte para que conozca y descubra su pasado y el pasado y la cultura de la sociedad en la que vive. He aquí una pequeña propuesta realizada durante el tercer semestre del grado de Magisterio en relación a este aspecto.


  • Otro aspecto a tener en cuenta y ya explicado en una entrada anterior fue que caímos en la cuenta de que, en las exposiciones de nuestros trabajos pretendíamos explicar demasiado las interpretaciones propias que habíamos ido obteniendo sobre nuestras obras. Esto lo hacíamos únicamente con el fin de que fuesen más sencillas de comprender. Sin embargo no nos percatábamos que al hacer esto lo que provocábamos era limitar muchísimo la capacidad de interpretación de los demás. Echábamos a perder las posibles diferentes interpretaciones que pudiesen surgir por parte de los espectadores. Esto es muy importante a la hora de educar en el arte a los niños. Si llegásemos a un aula con una determinada obra con el fin de analizarla y de obtener posibles interpretaciones y, en lugar de dejar libertad a los niños para que expresasen lo que a ellos les sugiriese, comenzásemos a enumerar todas aquellas interpretaciones obtenidas con anterioridad por nosotros a parte del hecho de que no aprenderían a interpretar por su cuenta, limitaríamos su capacidad de abstracción enormemente. Asimismo comprendimos que la interpretación del espectador es lo que realmente importa al final, ya que es él quien llega a través de razonamientos propios a su conclusión final. Aunque insistamos en que observe y entienda la obra desde nuestro punto de vista, es el suyo al que le dará mayor importancia y el que se le quedará. 


  • También llegue a la conclusión de la importancia que tiene que, al terminar un proyecto o trabajo, les invitemos a discutir y reflexionar sobre las dificultades que han tenido y observado para ser capaces de aprender de ellas en el futuro, así como para darnos cuenta como maestros si hemos enfocado de la manera más adecuada la actividad o si por el contrario nuestras expectativas han sido demasiado ambiciosas y finalmente no han podido ser cumplidas.

  • Gracias a que tuvimos que crear nuestro propia obra acerca de la unidad didáctica que previamente habíamos diseñado pudimos darnos cuenta de qué aspectos funcionaban de ella y cuáles no, que problemas podrían encontrar los alumnos, etc. Esto fue muy interesante, ya que en muchas ocasiones quizás creamos unidades demasiado poco realistas y no nos percatamos de ello. Sin embargo, al haber experimentado nosotros mismos nuestra propia secuencia pudimos darnos cuenta de algunos aspectos negativos, como fue la falta de tiempo material que tendrían los alumnos para realizar sus metáforas visuales.

  • Un proyecto de arte puede estar interrelacionado con las demás áreas del currículo como pudimos observar en el trabajo fotográfico realizado por algunas de mis compañeras llamado Rally Fotográfico. En él se escogieron los temas a tratar en el proyecto de movimiento corporal, socialización, información y geometría que están relacionados con ed. física, conocimiento del medio, lengua y matemáticas respectivamente. Otro de los proyectos que también decidieron incluir más áreas además de la artística fue La caja mágica donde se trabajó educación para la ciudadanía a través de la moraleja que tenía el fotomontaje sobre no criticar ni juzgar algo por las apariencias y cuestionarnos la realidad que sugiere a simple vista, así como Las Normas, en el cual se pretende cuestionar a estas.
Rally Fotográfico
Rally Fotográfico


















  • Y por último, me llamó la atención un último trabajo en el que decidieron trabajar los diferentes sentidos a través de un trabajo artístico. Un grupo de compañeros presentó la siguiente propuesta Ver con los oídos: abrir la ventana, escuchar los ruidos procedentes del mundo exterior y tratar de plasmarlo en un folio. Fue un interesante proyecto en el que mezclaron tanto el sentido de la vista como el del oído. Sin embargo, un punto negativo de su presentación fue que en lugar de dejarnos escuchar a nosotros el sonido que ellos estaban dibujando (ya que se grabaron en vídeo mientras tanto) pusieron una música que no tenía nada que ver. 
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Nuestro proyecto: Las metáforas visuales

Publicado por Maria Bernal
En este apartado llevaré a cabo un pequeño resumen de como fuimos enfocando nuestra unidad didáctica.

Unos días después de haber visitado la exposición del Centro Huarte mi grupo decidió escoger la obra Destockaje como punto de partida. Y ¿por qué escogimos dicha obra? Consideramos que un punto importante que dicho proyecto trabaja y que sería de gran utilidad trabajar con nuestros alumnos sería el arte conceptual y en concreto la metáfora visual.
Nuestra sociedad actual nos ofrece infinidad de estímulos visuales proporcionados por imágenes procedentes de numerosos lugares como carteles publicitarios, programas televisivos, internet, y un sin fin etc. Todas estas imágenes poseen la intención de transmitirnos un mensaje que puede tener muchas finalidades (plantear un problema social, vender un producto, ofrecer una información...).
Es por ello que consideramos que los alumnos deben poder ser capaces de entender en un futuro cercano este lenguaje visual para ser plenamente participes en la sociedad en la que se establecen así como para ser críticos con ellas.
En definitiva, los aspectos que queríamos trabajar con nuestro proyecto fueron:
  • Lograr que los alumnos pudieran ser capaces de ver más allá de lo evidente.
  • Desarrollar una capacidad de análisis.
  • Desarrollar habilidades necesarias para realizar una oportuna crítica a la sociedad.
  • Desarrollar habilidades cognitivas (por ejemplo reflexionando de donde partimos y a qué queremos llegar).
  • Lograr obtener y entender el significado global de la obra (no se entiende si falta algo o si se ven por separado los elementos que conforman la metáfora).
Además de todo ello, procuramos elaborar un trabajo que englobase varias áreas del currículo y fuese más transversal. Finalmente logramos tratar aspectos de matemáticas y lengua aparte del área de artístico. 

Una vez desarrollada nuestra unidad didáctica, con sus objetivos, criterios de evaluación, etc., la pusimos en práctica con nosotros mismos, de manera que tuvimos que realizar algunas de las actividades creadas para nuestros alumnos nosotros mismos, entre ellas la tarea final de diseñar una metáfora visual. Esto fue una gran idea ya que tuvimos la oportunidad de descubrir de primera mano en qué aspectos cojeaba más nuestro trabajo y con qué problemas podría encontrarse nuestro alumnado de llevar a las aulas la unidad.


Así pues nos pusimos manos a la obra y elaboramos dos metáforas visuales: la bola del mundo y el maniquí.
Maniquí con cerdo
Bola del Mundo
No expondré ni explicaré el sentido de ninguna de las dos obras con la finalidad de dar al espectador libertad total sin influencias de por medio para abstraer e interpretar.


Encontramos varias dificultades en el camino, especialmente manuales ya que ninguno de nosotros era especialmente manitas con los materiales. En resumen, estos fueron algunas de los problemas hallados:

  • El tiempo material. Pudimos comprobar en primera persona que la unidad era demasiado amplia para el tiempo que le asignamos. Esto debemos tenerlo muy en cuenta al elaborar unidades.
  • Materiales. Nos dimos cuenta de la dificultad de tratar con algunos materiales, como la arcilla para elaborar la mano que sostenía el mundo.
  • Siempre debemos tener en mente que puede resultar que debamos replantear la obra desde cero otra vez en caso de que algo no funcione como nosotros esperamos. Esto también incluye repensar alguno de los aspectos de la obra final si no quedamos satisfechos con el resultado obtenido (tuvimos que cambiar la arcilla de la mano por alambres y al ser improbable que nos dejaran realizar la fotografía del maniquí en una tienda real realizar un croma casero). No vale negar esa opción. 

Sin embargo no todo fueron dificultades. Además de algunos aspectos positivos reflejados en la entrada que trata sobre el resto de proyectos pudimos ver algunos más:

  • Promueve la toma de decisiones.
  • Se establecen relaciones entre los miembros del grupo y se trabaja la cooperación entre ellos.
  • Aumentamos nuestra capacidad crítica, no solo con la obra, sino también con nosotros mismos.
  • Etc.

He aquí las fotos del proceso de elaboración:
Recubriendo a nuestro maniquí de marcas de cosméticos


Eligiendo el lugar más adecuado en el
que colocar nuestra metáfora visual
Colocando la bola del mundo
para sacar la foto final

Elaborando el croma casero


Con el croma, dándole el último toque
al maniquí
Uno de los lugares desechados para
la bola del mundo



















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De excursión al Centro Huarte

Publicado por Maria Bernal
El 6 de Noviembre fuimos todos juntos al centro de arte contemporáneo de Huarte. Allí pudimos observar varias obras de arte relacionadas, entre otros aspectos, con el arte conceptual, basado en el hecho de que las ideas que emanan de un objeto y que deben de obtenerse a partir de abstracciones son más importantes que el objeto en si mismo.
Así pues, a continuación expondré algunas de las obras que pudimos trabajar y los aspectos e ideas que me aportaron y que me hicieron cuestionar.


"Una fuerza que nos atrapa, que nos adentra" fue uno de los comentarios de mis compañeros acerca de la primera de una serie de obras llamada Einstellung que tuvimos la oportunidad de observar detenidamente. 
Aquí el momento de la película
A otra, sin embargo, le recordó a esa escena de la película "Pesadilla antes de Navidad" en la que Jack Skeleton se adentra en el árbol del bosque, ya que le sugiere a algo tétrico y profundo. Fue por ello llegó a la conclusión de que la obra pretendía meternos en otro mundo, en otro estado.



Otra compañera, en cambio, señaló que la fotografía parecía estar sacada a algún tipo de crema por lo que lo relacionó con el mundo del maquillaje, de la estética, la moda. Ella observó como el material empleado parecía ser algo líquido que había dejado un rastro y llegó a la conclusión anterior.
Einstellung de Peio Izcue
Finalmente resultó ser una vitrocerámica
con un producto de limpieza
Tras habernos dejado algo de tiempo para reflexionar por cuenta propia, se nos explicó algo más a cerca de la obra. En ella se presentaba una fotografía de un elemento real, cotidiano que se encontraba descontextualizado haciendo que no hubiese ninguna referencia espacial a la que aferrarnos para darle una explicación, algo que nos diera una pequeña pista de qué podía ser. De la misma forma jugaba con la escala, agrandando lo pequeño, y le despojaba el color. De esta manera nos privó de toda la información que, como he mencionado antes, contextualizaría un poco la obra. A cambio, sin embargo, nos ofreció otra clase de información a través del color en blanco y negro, etc. 
Por lo tanto, ante la situación de que no hubiese un contexto al que aferrarnos, fuimos nosotros quienes presentamos un contexto propio creado por nuestro bagaje interno, nuestros conocimientos previos, etc. con el que poder darle una explicación a la obra. Fue así como ante un mismo cuadro cada persona pudo llegar a abstraer significados totalmente diferentes, conclusiones muy dispares buscando entre sus recuerdos, realizando abstracciones y pensando qué nos podía sugerir dicha obra. 

 Es aquí donde entra en juego el no explicar la obra demasiado, ya que perderíamos y limitaríamos mucho la capacidad de interpretación de los espectadores (algo que aprendimos más adelante también en la presentación de nuestros proyectos). Además de eso, al fin y al cabo es finalmente la interpretación del espectador lo que importa realmente, ya que por mucho que intentemos que entienda una creación desde nuestro punto de vista, es el suyo el que se le quedará y al que dará mayor importancia debido a que ha nacido de sus propios pensamientos y ha sido él quien ha creado a través de razonamientos y argumentaciones propias dichas conclusiones.
Esto, transportado al aula de primaria es de gran interés. Si tras haber visto una obra de arte ofrecemos directamente al niño una explicación propia o de cualquier entendido en el tema sobre qué significado tiene para él perderemos una gran oportunidad para que ellos reflexionen y hagan abstracciones propias. En cambio, si en lugar de hacer esto le pedimos al niño que nos intente explicar qué le sugiere el proyecto, a qué aspectos de su vida le recuerda, cómo se siente ante él, etc. y le decimos que lo justifique y le dé un porque trabajaríamos y desarrollaríamos el pensamiento crítico. De esta manera, jugando con la imaginación a descubrir qué es lo que está representado y buscando siempre razones que lo argumenten, estaríamos ayudando a desarrollar una consciencia crítica y la importancia de cuestionar.

 Este es un modo de pensar de la concepción post-moderna el arte en la que se entiende el arte como una producción cultural y a los espectadores no como a consumidores pasivos, sino entes activos que tienen que pensar en lo qué puede significar una obra ya que no existe una única verdad, es cuestión de interpretaciónes.
Más de la serie Einstellung de Peio Izcue
Otra de las obras que vimos y que mi grupo en concreto sacó algo de ella a la hora de realizar más adelante nuestros proyectos a cerca de la unidad didáctica fue la llamada Baso Hil del mismo autor, Peio Izcue.
Baso Hil de Peio Izkue

Se trata de una serie de fotografías de archivo que él mismo sacó. Lo que él realizó con ellas fue seleccionarlas, agruparlas, instalarlas de una determinada forma de manera que nos posibilitó nuevas lecturas. Ya no eran únicamente esas imágenes que él sacó, sino que al disponerlas de ésta forma en un centro de arte adquirieron otro tipo de significados, como hemos dicho antes. Uno de los significados que salieron fue que recordaba a algo realizado por el ser humano, semejante a una plantación de árboles, teoría que quedó respaldada por el hecho de que aunque las fotografías estuviesen relacionadas con lo natural y con los espacios abiertos, etc., podía observarse en ellas la interacción del ser humano con ese medio. Otro fue que parecía más un cementerio debido a su color triste y apagado, pero también debido a su colocación.
De cualquier manera nos quedó claro como simplemente una u otra disposición de una obra en el espacio podía alterar radicalmente el significado de la misma. 
Teniendo esto en cuenta en la realización de nuestro proyecto optamos por buscar un espacio en el que nuestro trabajo adquiriese el significado que nosotros pretendíamos otorgarle y sacarle una fotografía en él en lugar de mostrarlo sin el escenario adecuado y que perdiese así parte de su sentido. En otra entrada más adelante todo esto será mejor expuesto.


Kulunka de Yolanda Úriz
Más adelante pudimos participar en la instalación de Yolanda Úriz llamada Kulunka ("balanceo" en castellano). En ella se servía de un espacio transformado a través de unos elementos como luz, agua y vibraciones del sonido, para hacer llegar al espectador una serie de sensaciones.
Las instalaciones de este tipo pueden ser realmente útiles si queremos trabajar con nuestros niños la expresión del mundo interior que todo el mundo lleva dentro, más allá de su valor artístico. Pedirles que nos expliquen qué sienten tras haber experimentado una experiencia similar o qué emociones les produce en ellos  puede ser una muy buena manera de trabajar con el tan  tan dejado de lado en la escuela actual e inexplorado mundo de las sensaciones internas. Tumbarnos y dejar que las emociones y sensaciones nos embarguen para tomar consciencia de ellas y después ponerles un nombre concreto y compartirlas con los demás puede ser un ejercicio muy válido para distinguir, reconocer y expresar dichas emociones tanto en nosotros como en los demás. 

Tras experimentar la instalación anterior pudimos participar en una pequeña actividad relacionada con este tema de las emociones, las ideas, las sensaciones, etc. muy recomendable a emplear con los niños. En ella se nos ofreció a cada uno una tarjeta en la cual podía estar dibujado un corazón, un cerebro o un ojo. Se nos pidió que nos hiciésemos tres preguntas muy sencillas que tuvieran que ver con los iconos que nos habían repartido: "¿qué veo? ¿qué siento? ¿qué tipo de pensamientos me vienen a la cabeza, cómo interpreto la obra?" para que a través de dichas cuestiones pudiésemos comenzar a trabajar la obra presentada.
Tarjeta de cerebro y corazón

Por último, la última obra a la que haré referencia será Destockaje de Rafael Munárriz. Esta fue la obra que escogió nuestro grupo y en la que nos basamos al crear nuestra unidad didáctica. 
Destockaje de Rafael Munárriz
¿Y por qué nos basamos en esta obra? Una de las razones fue que nos pareció muy interesante el hecho de jugar con el significado de los objetos y hacer que obtuvieran otro completamente diferente al que hubieran tenido si hubiesen estado por separado y en otro contexto espacio-temporal. En el arte conceptual lo principal no radica en el propio objeto (los ladrillos presentes en esta obra son sustituibles por cualquier otros, por ejemplo), sino que la fuerza de estas obras se encuentra en la idea que trasmiten sus elementos en conjunto. Así pues, el autor en esta obra  descontextualizó esos objetos, que tienen una carga de significado propio asociado a ellos, y los reinterpretó de una manera muy irónica, muy conceptual y, también, muy crítica. 
Analizando la obra (ladrillos en un palé enganchados a un paracaídas) obtuvimos varios significados, por ejemplo, una crítica hacia la situación socio-económica en la que nos encontramos en estos momentos ya que pudiera parecernos que nos remite a un peso que nos empuja hacia abajo (los ladrillos) y que por mucho que intentemos salvar (a través del paracaídas) no lo vamos a poder lograr.
Aquí también entra la crítica a algo presente en nuestra sociedad. Muchos de nuestros proyectos basados en las unidades didácticas (más adelante lo expondremos también) por no decir la mayoría basaron sus trabajos en la crítica de algo del día a día, algo cotidiano. Al trabajar con niños esto va a estar muy presente, ya que en sus obras se verán reflejados aspectos o problemas de su vida diaria de importancia para ellos. El escoger uno de esos aspectos para criticarlo a través del arte podría ser, pues, una manera de trabajar la expresión de aspectos con los que están en desacuerdo de su vida, de cuestionar dicha realidad, de desarrollar algo tan importante como una serie de habilidades con las que decir al mundo "yo no estoy de acuerdo con esto", ya sean a través del arte como a través del lenguaje habitual.
Y para finalizar, más allá de las obras que vimos y de los aspectos que ellas nos pudieron otorgar, aprendimos otra lección muy a tener en cuenta en nuestra futura profesión: la educadora va a ser quien tenga que elegir las obras y para ello debe establecer sus propios criterios en función de aquello que pretenda trabajar con los niños. Al organizar una excursión, vamos a ser nosotros quienes tengamos que escoger un recorrido concreto en función de unos criterios, como por ejemplo podría ser el querer observar diferentes disciplinas, como la fotografía, la instalación, el vídeo, la escultura..., o querer trabajar obras contemporáneas.

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Intro

Publicado por Maria Bernal
Después de todo un semestre recopilando información, investigando por cuenta propia, elaborando ideas y llegando a conclusiones a partir de lo visto en clase, etc., llega el momento de reflejarlo todo en el portafolio.

Este semestre, así como el semestre pasado, he decidido crear un blog en el que exponer los nuevos conceptos aprendidos, reorganizar el torbellino de ideas con respecto a la educación artística que en ocasiones me vienen a la mente y reflejar algunas de las conclusiones a las que llegue a partir de ellas, al igual que comentar algunas propuestas e ideas propias para aplicar al aula con los niños en un futuro.

El objetivo que pretendo cumplir con este trabajo es, pues, convertirlo en una herramienta en la que poder apoyarme en un futuro como docente.




Así que empecemos.

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